Как и всё хорошее, идея данного проекта пришла спонтанно. Да и сам проект был изначально сугубо утилитарным. Нужны были две картинки, которые наглядно иллюстрировали бы услуги по сведению и мастерингу треков, которые я предоставляю в своей музыкальной студии. Но, по мере развития и осмысления идеи, проект становился сложнее и многослойнее, обрастал новыми концептуальными смыслами. Если вы следите за моим творчеством, то наверняка знаете, что за последние полтора года я всерьёз увлёкся 3d-моделированием. Музыка не отошла на второй план и по-прежнему является моим основным источником вдохновения. Однако, надо признать, что сегодня язык визуальности часто звучит куда громче языка музыкального. Культурные коды и смыслы, вшитые в музыку, могут быть дополнены и многократно усилены с помощью подходящего визуального ряда. Отчасти, стимулом для претворения данного проекта в жизнь, стало моё желание транслировать в мир, через Flame2Fame music, своё видение окружающей реальности. И ещё, моё “уникальное умение” всё усложнять.
Всякий, кто когда-нибудь писал музыку в программе Reason, сразу же узнает в этом аудиоинтерфейсе знакомые элементы “ризоновского” микшера. Да, вы не ошиблись! Это он! Точнее, это то, как он мог бы выглядеть, будучи настоящим “железным” устройством. Когда я только начинал писать музыку, в середине нулевых, компьютеры уже становились основным компонентом многих музыкальных студий и инструментом битмейкеров. Пока одни восторженно говорили о новых технологиях, делающих создание музыки более доступным, другие с придыханием обсуждали культовые сэмплеры и синтезаторы “Золотой эры хип-хопа”. В моём плеере тогда играли Dr. Dre и 2PAC, Nas и Rakim, Ice Cube и Nate Dogg, LL Gool J и Wu-Tang Clan, DMX и Ja Rule. Поэтому, можно сказать, что я скорее относился к последним, чем к первым. Но писать музыку хотелось, а возможности купить дорогой винтажный сэмплер или синтезатор у меня на тот момент попросту не было. Отсюда, несложно догадаться, почему мой выбор, в качестве основной DAW, пал именно на Reason. Ведь создатели Reason разделяли мою любовь к аналоговым музыкальным инструментам и эффектам обработки. Это стало частью их философии, воплощённой в цифровой рабочей станции. Что касается меня, то сделанный тогда выбор оказал значительное влияние на звучание моей музыки в целом. Даже сегодня, спустя столько лет, я часто использую Reason или Reason Rack Plugin, когда мне нужно придумать уникальный звук инструмента или собрать необычную цепочку эффектов обработки. Эта DAW стала для меня тем самым “железом”, из-за которого я звучу так, как я звучу.
Если вы посмотрите на обложки хип-хоп альбомов “Золотой эры”, скорее всего вам в глаза сразу бросятся минималистичность и “неидеальность” графики, тоновая заливка цветом. Вы увидите рэпера с микрофоном или магнитолой, либо диджея с сэмплером или виниловой декой. Большинство из обложек выглядят, как грубые и рукотворные, но зато “настоящие”. Именно этот характер я постарался передать в данном проекте. Не цифровое торжество цвета и формы, а грубую аналоговую стилизацию. Изображение “зернит” так, как-будто было снято на плёнку. Глубокие, плоские тени создают резкий драматический контраст между цифровым микшером и заполняющим “пыльно-красным” фоном. То, что вы видите, призвано не отображать объект из реальной жизни (мы уже договорились с вами о том, что это символ), а задавать определённое настроение и вызывать ассоциации с уже известными вам элементами музыкальной эстетики олдскульного хип-хопа. В центре композиции находится микшер, который является связующим звеном между человеком и музыкой, которую человек создаёт с помощью данного устройства. “Пыльность” изображения можно соотнести с несовершенным, “песочным” звучанием аналоговых сэмплеров. А ритмичная повторяемость крутилок и фейдеров микшера придаёт самому микшеру “монументальности” и “значимости”. Кажется, что это не условность, а реальные элементы управления, с помощью которых можно изменять параметры девайса.
Есть ещё один уровень смыслов, который был изначально заложен в данной работе, о котором я хочу рассказать. В то время, как большинство подростков росло на мультипликации студии Дисней, в моём детстве абсолютными фаворитами были японские аниме-фильмы и сериалы. Уже в более зрелом возрасте, я окончательно пришёл к выводу о том, что философия и эстетика Страны восходящего солнца мне близка. Данный проект – прямое цитирование эстетики “Акиры”: здесь технократический минимализм встречается с характерной для первоисточника холодной палитрой и акцентом на материальность металла. Мир высоких технологий и низкого уровня жизни – именно так ощущается современная реальность, в которой я нахожусь. Реальность, в которой у людей есть дорогие смартфоны, но не всегда есть еда в холодильнике. Красный цвет обозначает энергию, жизнь, борьбу, агрессию, а холодный бело-серый металл – лишённую эмоций машину, которая выполняет свою функцию и может быть как помощником, так и помехой. По мнению критиков, Нео-Токио в “Акире” является полноценным действующим персонажем. Его бесконечные шоссе, извилистые лабиринты трущоб и холодные небоскрёбы диктуют условия выживания для остальных персонажей аниме и формируют их характер. Здесь можно провести прямую параллель с моим проектом и сказать, что это похоже на то, как сэмплеры от Акаи или драм-машины от Роланд определяли звучание битмейкеров 80-х и 90-х. Собственно, этим и обусловлен уход от антропоцентричности в данной работе и смещение акцентов в сторону железного устройства.
