This post was created as part of the Coloso Supporters event. #sponsored
Приветствую тебя, дорогой читатель блога Flame2Fame Music!
Как ты уже знаешь, мой блог посвящён в основном созданию и продвижению музыки. Но музыкальная тематика — формат широкий.
Мы живём во времена, когда индустрия меняется на глазах. С одной стороны, процесс написания и выпуска музыки стал доступным, как никогда. Любой музыкант может создавать качественную музыку и выпускать её на стриминговых платформах, а также продавать её в предназначенных для этого магазинах, цифровых и реальных. Для этого нужен только бюджетный, недорогой набор студийной аппаратуры, коллекция виртуальных синтезаторов и эффектов обработки, умение ими пользоваться, а также доступ в интернет для публикации контента.
Но есть и тёмная сторона, о которой музыканты говорят всё громче.
По статистике на начало 2026 года, каждый день выпускается от 100 000 до 106 000 треков. Согласись, это огромная цифра! А теперь представь, что твой трек, над которым ты долго и тяжело работал, выходит в один день с этими 100 000 треков. Представил? Не знаю, как ты, а я сейчас поёжился.
Главная проблема, с которой регулярно сталкивается музыкант в 2026 году — он вынужден не только создавать качественную, цепляющую музыку, но и бороться за внимание аудитории, капризной и избалованной цифровыми развлечениями. Быть только хорошим музыкантом в таких реалиях недостаточно.
В интернете вирусится огромное количество забавных роликов, в которых с юмором обыгрываются те ухищрения, на которые приходится идти музыкантам для того, чтобы удерживать внимание аудитории. Сюда относятся регулярные видео с буднями музыкантов, бекстейдж работы над проектами, съёмки музыкальных клипов, текстовые публикации в блогах и тематических онлайн изданиях, создание красивых обложек к альбомам и синглам, питчинг музыки на стриминговых сервисах. И это даже не весь список того, что приходится делать! Большая часть перечисленного мною не относится непосредственно к написанию музыки.
Независимый музыкант окончательно превратился в контент-мейкера.
Витриной, на которую в первую очередь обращают внимание слушатели, теперь является не сама музыка, а харизма, которую демонстрирует артист в соцсетях, формат его видеоконтента, стиль оформления его персонального бренда. Это подкупает первым — и лишь затем качество музыки превращает слушателя в фаната.
Факты, которые я перечислил, понимает любой человек с опытом в индустрии, который хочет популяризировать свою музыку и серьёзно относится к карьере. Девяносто процентов перечисленного выше контента является контентом, который воспринимается глазами, а не ушами. Дойдя вместе со мной до этого момента умозаключений, скорее всего главный вопрос, который тебя сейчас волнует — какой формат визуального контента выбрать для продвижения творчества?
Отталкивайся от себя — от своей личности. Какой ты человек? Что тебе нравится делать? Что ты можешь выпускать регулярно, получая удовольствие?
Многие музыканты выбирают формат коротких, комичных роликов. Их можно выпускать часто, так как они быстро делаются, а количество идей для подобного контента ограничено только воображением автора. Формат коротких смешных роликов обожают соцсети — Instagram, TikTok, YouTube Shorts.
Но что, если ты, например, не «смешной», а спокойный и вдумчивый? Если твоя музыка не развлекает широкие массы, а поднимает острые социальные проблемы (рэп, рок) — или, наоборот, создаёт атмосферу для работы в офисе или тихого отдыха (lo-fi)?
Мейнстрим часто диктует образ артиста-холерика — энергичного, эпатажного, постоянно хохмящего в кадре. Но ты не обязан соответствовать этому клише.
Выпуская контент, который не соответствует твоей натуре, ты быстро выгоришь, так и не получив заслуженного признания. Поэтому важно прислушиваться к себе.
Выбор формата и стиля контента важен ещё и потому, что, выбирая распространённый формат, ты автоматически вступаешь в конкурентную борьбу с другими создателями в этой нише. Поэтому, «вступая в игру», нужно быть энергичным, продуктивным и готовым отстаивать своё право быть артистом перед лицом многочисленных вызовов.
Если проследить за ходом моих мыслей, напрашивается простой и очевидный вывод: чем уникальнее формат и стиль твоего контента, тем меньше у тебя конкурентов. По сути, ты не встраиваешься в готовую нишу, а создаёшь свою.
Да, такой способ самореализации — сложнее. И результат приходит в более долгосрочной перспективе. Но зато он позволяет стать самобытным и реализоваться как творческая личность в полной мере. Ведь для того, чтобы выработать свой формат и стиль, нужно много пробовать и экспериментировать.
Здесь я хочу провести важную параллель.
В отличие от мейнстримной установки западного мышления, ориентированной на результат, мне куда больше импонирует японская сосредоточенность на процессе:
У самурая нет цели, есть только путь.
Как эта философия привела меня к Coloso
Поиск уникальной подачи для своего бренда привёл меня вначале к изучению графического дизайна в программе Affinity и 2D-анимации в Moho, а затем, два года назад, и в 3D. В 3D моими помощниками стали программы Blender и Curvy 3D.
Но программа — лишь инструмент. Само по себе наличие программы, как таковой, не сделает тебя творцом и не выделит тебя среди многих других. А вот техническое знание программы, большой опыт работы в ней, в сочетании с «видением артиста» — вполне может.
Поиск своего формата и авторского стиля — это всегда переход от общего к частному.
Вначале ты изучаешь интерфейс программы. Затем — основные механики её работы. Затем — более узкоспециализированные приёмы и техники.
И лишь потом, обладая хорошей базой, ты сможешь придумывать свои собственные приёмы — те, что сформируют твой авторский стиль и определят твою уникальность в творчестве.
Помнишь, как я говорил, что в творческом процессе нужно отталкиваться от себя? От того, что тебе импонирует.
Визуальный стиль, который импонирует мне — это аниме.
В детстве, когда другие мальчишки смотрели мультфильмы с сюжетами из народных сказок, я смотрел «Трансформеров» и «Покемонов». В подростковом возрасте я всерьёз увлёкся культурой Японии и взахлёб смотрел киберпанк-аниме: «Призрак в доспехах», «Яблочное семечко», «Гангрейв».
Моей особой любовью пользуется мультсериал «Самурай Чамплу». В нём собрано то, что я искренне люблю: средневековая японская эстетика, самураи, джазовые лоу-фай композиции и рэп.
Именно «Самурай Чамплу» в своё время послужил для меня источником вдохновения при создании собственных лоу-фай треков.
Полгода назад я понял, какого рода контент я хочу выпускать. Как ты уже догадался, выбор пал на аниме-стилистику. Моя цель в обозримом будущем — выпускать авторские рэп-композиции и создавать для них полноценные клипы в эстетике аниме.
Но одно дело смотреть аниме, и совсем другое — создавать его. Реализация в 3D — задача сложная, требующая узкоспециализированных навыков.
Поиски нужных мне знаний привели меня на платформу Coloso.
На Coloso размещено большое количество качественных курсов по аниме. Курсы предназначены как для цифровых аниме-художников, так и для 3D-аниматоров, работающих в этом стиле.
Главное, что сразу бросается в глаза даже при просмотре презентационных роликов: курсы на Coloso создаются настоящими профессионалами. Качество контента ощущается буквально в каждом кадре.
Недавно компания объявила о наборе амбассадоров. Немного поколебавшись (сомнения относились исключительно к моей компетентности) я решил подать заявку на участие. И, какова была моя радость, когда кандидатуру утвердили!
Данный пост изначально планировался как обзор на курс Nanigashi — Stylized Action in Blender: Crafting a Bold Cel-Shaded Look. И сейчас мы перейдём непосредственно к обзору.
Длинная предыстория была нужна, чтобы показать: прохождение этого курса может стать частью большого рабочего процесса и помочь сформировать яркую идентичность музыкального исполнителя.
Сам автор в завершающем видео говорит: настоящий старт начнётся после окончания курса. Он советует копировать его действия только во время обучения, а затем закрепить навыки, создавая свои уникальные анимации в собственных проектах.
Я последую его совету.
Мой пример — не единственная сфера применения. Непосредственно для аниматоров Blender этот курс вообще может восприниматься как последовательное и интуитивно понятное руководство.
И да, обратное тоже работает: среди моих подписчиков есть 3D-шники, которые недавно начали писать музыку.
Обратите внимание на этот курс!
Как я проходил курс (нестандартно)
Обычно люди проходят подобные курсы поэтапно и фиксируют прогресс на каждом из этапов. Но я бегло просмотрел первые видео и понял: хочу сначала получить общие впечатления (для обзора), а потом уже проходить. Поэтому запасся чаем, печеньем и стал смотреть.
Важное отступление: несмотря на аффилированность с Coloso, я стараюсь быть объективным, поскольку неизменно честен со своими подписчиками в оценках и суждениях. Но быть беспристрастным мне трудно, поскольку мастерство, которое демонстрирует Nanigashi, вызвало у меня глубокое уважение и восхищение.
Что тебя ждёт на курсе?
Курс Stylized Action in Blender: Crafting a Bold Cel-Shaded Look рассчитан на людей, у которых уже есть опыт работы в программе Blender. Для абсолютного новичка он может показаться слишком сложным, и потому новичкам я порекомендую вначале пройти базовый курс по основам работы в программе.
Тема курса: создание файтинговых анимаций в аниме-стилистике.
Структура: этот курс грамотно структурирован — уроки разбиты на тематические секции, а порядок секций определяется сложностью материала. Ты начинаешь с простых заданий и затем переходишь к более сложным. Переход плавный и постепенный. Более сложные техники, которые демонстрирует автор, зачастую основаны на предыдущих, ранее изученных.
Нанигаши в своём курсе использует два основных метода обучения.
Первый метод — «учиться делая» (learn by doing). Ты повторяешь его действия и учишься тому, как получить схожий результат.
Второй метод — итерационное обучение. Он основан на многократном изменении параметров и мгновенном просмотре результата.
Если метод learn by doing помогает освоить техническую базу Blender, необходимую для анимирования, то итерационное обучение позволяет «почувствовать» саму суть анимации: тайминг, спейсинг и композицию кадра.
Ценность данного курса заключается в том, что Нанигаши делает упор именно на художественный подход к анимированию, оставляя за начинающим аниматором возможность свободно экспериментировать с различными параметрами анимации.
Курс — не просто очередной курс по Blender.
Здесь на сайте я выложил анимацию своего логотипа, созданную в Blender. Я регулярно использую её в качестве заставки для всех своих видеороликов. Раньше я гордился этим результатом. Но, начав проходить курс от Нанигаши, понял: мне ещё очень многому предстоит научиться.
Это совершенно другой уровень профессионализма и внимания к деталям.
У модели, созданной специально для курса, даже есть имя — её зовут Равика. Такая персонификация — лишь один из признаков того, что автор увлечён проектом всерьёз и получает удовольствие от работы.
В процессе обучения эта увлечённость невольно стала передаваться и мне.
Боевую экшн-анимацию создавать сложно. Высокая динамика, взаимодействие с оппонентами, оружием, магией. Но освоив интенсивные сцены боя, менее динамичные сцены будут даваться легко.
Я чувствовал большую ответственность, делая этот обзор. У тебя может сложиться впечатление, что пройти данный курс было критической необходимостью именно для меня. Не буду скрывать — так и есть.
Но я абсолютно уверен: ты тоже найдёшь полезное применение этим знаниям.
Пусть мой пример послужит для тебя мотивацией.
Ссылки
Подробнее о курсе: https://bit.ly/4mSpuyc
Ссылка на курс со скидкой: https://bit.ly/glsupporters_2nd
#colosoglobal #colososupporters
Спасибо за внимание!
